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DEL PIGMENTO A LA LUZ,
DE LA LUZ A LA POESÍA.
PEPE BUITRAGO: PINTAR POESÍA CON LUZ.

“Color fugaz, líquido. Verde tan fugaz como el color de las pompas de jabón”.
JOHN BERGER & JOHN CHRISTIE, Te mando este rojo cadmio

¡Ábrete, Sésamo!: Quién iba a sospechar lo que nos esperaba tras cruzar el umbral de una  puerta de hierro cubierta por la pátina del tiempo.
Un paciente, humilde y sencillo hombre llamado Pepe Buitrago nos acerca a su mágico mundo de prestidigitador de la luz.
Sus obras, diálogos con la luz, nos invitan a participar en una danza de palabras, brillos, iridiscencias e ilusiones ópticas. Si las luces no dialogan, al tiempo que nuestros cuerpos se mueven en torno suyo intentando encontrar el mejor lugar para ser testigos de sus encuentros y desencuentros, la opacidad romperá el hechizo y Sésamo se cerrará,  de súbito.
En su interés por abrir un hueco a través de la pintura, desde postulados futuristas, expresionistas y constructivistas, nos cuenta que descubre la holografía en Nueva York. Se entera de que en el Royal College of Art de Londres imparten una asignatura de holografía, y a pesar de ciertas dificultades que se encuentra,  se las ingenia para asistir a las clases.
Nos muestra sus libros reutilizados, que recoge por las calles (porque le interesa la textura del papel)  y  los transforma en libros de notas, bocetos…aunque, para ser más precisos, son más bien libros de artista.  Uno de ellos está lleno de collages-holográficos que versan sobre el siglo XX. Le interesa crear historias y trabajar con la huella del ser humano, con el rastro que deja. Michaux tiene una frase preciosa (o al menos a mi me lo parece) de la que no pude evitar acordarme, mientras Buitrago nos hablaba de ello: “Quien deja un rastro, deja una herida”.
¿Técnica versus idea? Pepe Buitrago responde: “La técnica es tan importante como la idea”. No considera la técnica, como él mismo dice, como la madre de la expresión, pero sí opina que alguien que quiera expresarse (bien sea mediante la palabra escrita, la imagen…) se esfuerza, o debería de esforzarse, por ir mejorando su técnica, paulatinamente, con la finalidad de transmitir cada vez de un modo más certero y efectivo sus ideas.
Nos cuenta que el artista siempre se ha servido de la técnica que ha tenido a su alcance para mejorar la calidad de sus obras e ilustra su afirmación poniéndonos como ejemplo la obra de los pintores holandeses que utilizaban lentes y otra sería de artilugios ópticos para elaborar sus obras pictóricas.
Poético, como su obra, nos dice: “Trabajé en una central térmica. Un espacio que producía luz ahora produce cultura; que es otro tipo de energía”.
Nos enseña su laboratorio, donde revela y crea las imágenes holográficas, y ni por asomo, soy capaz de trasmitir por escrito la experiencia de haber podido estar allí. También he de hacer referencia a su faceta de inventor. Es algo así como el José Val del Omar de la fotografía.
En la holografía se trabaja con el espacio. Él mismo, acostumbrado ya a trabajar con hologramas, no deja de sorprenderse del hecho de que está trabajando con una imagen suspendida en el aire, cogiendo un espacio de luz.
Pepe Buitrago: Inventor, artista…todo eso y mucho más.
En sus obras, en las que une fotografía y holografía genera diversos espacios, espacios dentro de espacios, espacios hacia adentro, hacia afuera… y hace referencia, a obras artísticas o a espacios culturales.
Sólo añadir que, al contemplar las obras de Pepe Buitrago, unas palabras de Fausto cruzaron mi mente: “¡Detente instante, eres tan bello!”.
“¡Ciérrate, Sésamo!”.

Beatriz Álvarez García

http://www.bellasartes.ucm.es/invasores

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Un viernes de octubre por la mañana transcurre el primer encuentro en La Trasera de la Facultad de Bellas Artes, con motivo del taller El poema: instrucciones de uso. Unos dieciséis asistentes rodeamos una gran mesa y otras tantas lámparas encendidas en forma de globo cuelgan sobre nuestras cabezas, no amenazantes sino conciliadoras. Tras una amable bienvenida por parte del Vicedecanato de Extensión Universitaria (supongo que amable, porque que he llegado tarde), nos presentamos uno tras otro explicando por qué hemos querido acercarnos a este curso: unos no sabemos, otros sentimos que la poesía pone orden en nuestras ideas, otros en el alma, otros queremos juntarla con la música, y otros carraspeamos lo justo.
José María Parreño es el maestro de ceremonias y teme desbocarse leyendo sus textos favoritos, sin embargo hoy es comedido y la dosis moderada: Neruda se autorretrata, es tonto de capirote y de vientre creciente, Jaime Gil de Biedma pone las instrucciones del juego de hacer versos -que no es un juego-, y el propio Parreño nos avisa de que un verso es un surco del arado, nos aconseja dejar que el poema imponga su ley sobre nosotros (al escribirlo, ¿aunque quizá también al leerlo?), y nos recuerda que “un poema corre siempre el riesgo de no tener sentido”, según escribió Jacques Derrida.
Aceptando el pacto de escribir en verso durante dos meses y medio, este grupo de desconocidos asume el reto de crear para la próxima sesión el poema de amor ideal (ideal el poema, no el amor, se entiende) y si cae un autorretrato. Para el poema de amor se han propuesto más de ciento cincuenta palabras entre todos y se han votado a mano alzada como si unas fueran más poéticas o mejores que otras. Mejores o peores, estas palabras animan nuestras caras despistadas, tímidas, expectantes, nos reímos, y así desfilan sobre la mesa la honestidad transparente, la condensación veloz, la sorpresa de garrapatas, una serenidad apagada, colores mundanos y temporales, la mar de mares y algunos abrazos cansados de manicomios. Nuestros versos tendrán un lugar a través del blog http://elpoemaucm.blogspot.com.es. Hay una semana por delante y en el próximo encuentro nos habremos acercado más a la poesía.
En realidad ya estábamos cerca, sólo que ahora tendremos los ojos un poco más abiertos para darnos cuenta.

Texto: Rodrigo Martín Munuera

www.bellasartes.ucm.es/el-poema

elpoemaucm.blogspot.com.es/

Os dejamos a Jose María Parreño recitando poemas apocalípticos en una sesión de La Colonia: http://www.bellasartes.ucm.es/la-colonia

Vídeo: La Colonia

2ª Sesión

Poemas de amor y autorretratos.

Era viernes 26 de octubre y el frío acababa de llegar a Madrid. Por
segunda semana consecutiva tiene lugar el encuentro de “El poema” en
La Trasera, después de haber aceptado, en mi caso y el de otros
cuantos, la clásica pelea interminable a la que te retan las
fotocopiadoras. Miradas expectantes en torno a la mesa y sumergidos en
el ambiente tranquilo de la luminosa sala dimos comienzo a la lectura
de los primeros poemas.

Avanzaba la mañana mientras distinguíamos entre el baile de las frases
cada una de las palabras propuestas la semana anterior, pero aunque
sus sonidos fuesen los mismos ya no se asemejaban a palabras dichas al
azar ni se cerraban a un significado único, si no que convergían y se
unían con otras creándose nuevos matices. Ésa es la magia de las
palabras: Ser capaces de llegar a representar algo distinto para cada
poesía, para cada una de las distintas historias que contaban nuestras
voces. Son ellas las que pueden rasgar viajando con los dedos con sólo
proponérselo, nosotros los que sabemos cómo darles esa libertad y
ellas las que saben cómo dárnosla a nosotros. Nos internamos así en
diferentes mundos que nos llevaron a revivir un dulce recuerdo que no
hemos vivido, en el desasosiego y el cansancio que no querríamos vivir
o en la mera sencillez de amar.

Pasamos a la temática del autorretrato con la correspondiente
complejidad que conlleva el planteamiento del definirse a sí mismo. Al
de Adam Zagajewski le siguieron el de Nicanor Parra o los directos
versos de un jubilado anónimo. De entre nosotros tan sólo uno se
atrevió a hacerlo, retratándose de forma muy original como el conjunto
de características de los poetas en los que se veía él. Les llega
ahora el turno a las figuras retóricas, y nosotros nos dilucidamos con
la repetición de la anadiplosis, el llevar más allá de las metáforas,
los sonidos de las aliteraciones, descubriendo frases que resultaron
ser anáforas, contundentes pleonasmos, paranomasias paranormales o con
la paradoja de querer definir una paradoja, los juegos de palabras
surgidos del calambur y la jitanjáfora de ese capítulo de Rayuela
escrito en glíglico (¡Era el 68!) donde Julio Cortázar nos cuenta cómo
hacían todo lo sólo enunciable en un cuerpo.

De esta forma dimos por concluida la sesión proponiendo buscar y
escribir poemas que giren alrededor de la cocina como temática para la
semana próxima, y con José María Parreño confesándonos haber
conseguido romper por completo con sus esquemas, ya que al parecer el
(aparentemente) infalible método de hacer poemas resultaba no ser tan
infalible como nos dijo. Aunque, claro está, con diccionarios como el
de Hannah ya se sabe: escribir poesía es posible.

Texto: Mari Nieves Vergara Vázquez.

Capítulo 68 de Rayuela:

El Vicedecanato de Extensión Universitaria de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, en paralelo a las actividades de su programa específico, inicia la convocatoria de propuestas para ACCIONES COMPLEMENTARIAS correspondiente al año 2013. Se abre la petición de ayudas para la realización de proyectos inéditos que versen sobre cualquier faceta de la creación artística actual y que destaquen por la innovación, calidad y adecuación a los recursos disponibles. Para su valoración se tendrán en cuenta las circunstancias que recoge el documento “Criterios para valoración y adjudicación de las propuestas de Acciones Complementarias”

DOCUMENTOS:

Condiciones de la Convocatoria de Acciones Complementarias

Criterios de Valoración y Adjudicación de la Convocatoria

Formulario de Acciones Complementarias 2013

Formulario para Agrupaciones en Residencia en La Trasera 2013

Plano de la Sala de Exposiciones

Recepción de Propuestas hasta el 12 DE NOVIEMBRE DE 2012

Para CUALQUIER DUDA O CONSULTA escribe un mail a:   vicedecanato@art.ucm.es

El taller tiene como objetivo crear una instalación/intervención artística colectiva en los jardines de la Facultad de Bellas Artes de Madrid. Se nos propone recuperar un espacio deteriorado y abandonado creando piezas que sientan, escuchen y dialoguen con el entorno del edificio de la facultad. La intervención será sutil y delicada, para que nos traslade a un jardín botánico, esto es a un jardín valorado, mimado, apreciado, catalogado. Y ello mediante la creación de “piezas cartela”, las cuales evocan y rememoran la esencia de los jardines custodiados.


Creatividad colectiva que reflexiona sobre la construcción del territorio como paisaje cultural, montaje de infinitos fotogramas, producto de múltiples formas de mirar, donde interviene la dimensión intermitente del tiempo, vivencia esta, incrustada en el concepto de espacio, indisolublemente ligados ambos.


Partiendo de los postulados de la estética más reciente, donde definitivamente se invalida el concepto del arte como imitación de la naturaleza y como mímesis de la realidad, del que somos herederos desde Platón y Sócrates, nos hemos enfrentado al concepto de naturaleza “artificial”, de naturaleza “antropizada”.

De la mano de Mark Dion, Olafur Eliasson, Bleda&Rosa, Ibon Aramberri, y la propia artista que imparte el taller, Bárbara Fluxá, nos hemos acercado a la radical transformación que ha vivido el género artístico del “paisaje” desde mediados del siglo XX hasta nuestros días.


Hemos recorrido caminos de conocimiento, cercanos y cotidianos, pero con una nueva mirada: conceptos como tiempo, espacio, cartografía, ecología, naturaleza, arqueología, industria, huella, memoria, olvido nos han sido nuevamente revelados, abriendo nuevos horizontes para pensar, en definitiva para crear, con la ayuda de magníficos conocedores de estos “territorios”: Paul Ricouer, Michel Foucault, Walter Benjamin, Henri Lefebvre, o David Harvey, entre otros.


Así, hemos intentado integrar conceptos y objetos que muestran nuestra reflexión sobre las estrategias de acercamiento y uso del espacio que nos rodea en la Facultad Bellas Artes: queremos rescatar la identidad del jardín, y cada uno lo ha hecho con una mirada distinta.


Por otra parte, el aprendizaje de las tareas inherentes e implicaciones económicas y relaciones sociales que significa una exposición, ha constituido una parte importante del propio taller. El proceso de diseño, montaje, elección de proveedores, solicitud de permisos, selección de los materiales de construcción de las obras, divulgación y publicidad de la instalación, imagen corporativa, producción del cartel/mapa, diseño del blog, etc, han sido objeto de trabajo y dedicación, ocupando el espacio que se merecen, pues son elementos que forman parte del proceso creativo.


El taller terminó pero no así la actividad que continúa con el blog espacio-cartela (http://espacio-cartela.blogspot.com.es/) y con la intervención en el jardín de la facultad. La instalación la hallaréis en el jardín de Bellas Artes desde el 19 de abril hasta el 19 de junio.

http://espacio-cartela.blogspot.com.es/

http://www.bellasartes.ucm.es/paisaje

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ESPECIES DE ESPACIOS: EL ESTUDIO DEL ARTISTA

“Los espacios se han multiplicado,
fragmentado y diversificado.
Los hay de todos los tamaños
y especies, para todos los usos
y para todas las funciones.
Vivir es pasar de un espacio
a otro haciendo lo posible para no golpearse”.

Georges Perec, Especies de espacios

“Si la montaña no va a Mahoma,
Mahoma va a la montaña”.

Sir Francis Bacon, Ensayos

1ª VISITA: El estudio de Fernando Baena.

El artista Fernando Baena nos acoge en su domicilio particular donde nos recibe con un agradable ágape de bienvenida.
La visita transcurre en un ambiente cómodo y acogedor, durante la cual se establece un diálogo ágil y fluido con el artista, animado por su tono jovial y amistoso.
Desde un primer momento, queda aclarada la cuestión que para él espacio para vivir y espacio para crear se desarrollan en el mismo inmueble, aunque no siempre ha sido así. Por razones obvias (cuestiones de índole económica, necesidad de espacio en función de la actividad ha desarrollar…) nos cuenta que ha trabajo en estudios compartidos con otros artistas pero finalmente la evolución de su obra le ha llevado a establecer su estudio en el mismo sitio donde vive.

Tras un breve repaso a su trayectoria artística, nos habla también de la importancia que ha tenido para él su período de formación en la facultad de Bellas artes de Madrid, durante el cual dice que ante todo aprendió a pintar y a dibujar y del que deja clara constancia de como éste aprendizaje ha influido a lo largo del tiempo en su modo de trabajar. De hecho, a pesar, de que cómo él dice: ha abandonado la pintura y el dibujo, considera a éste último como la esencia del arte.

Me parece interesante reseñar, especialmente, para los estudiantes de bellas artes, el paralelismo que establece, Fernando, entre el proceso de pintar ( encajar, aplicar el color…) y cómo éste le ha sido de gran utilidad para extrapolarlo a otros ámbitos que, a priori, no tendrían mucho que ver con la realización de una pintura.
En resumen: dice trabajar con un proceso de pintor.

Nos habla de la responsabilidad y la ética del artista con respecto a su propia obra lo cual genera un cierto debate en torno a cuestiones de gran interés, creo yo, para todo el mundo, se dediquen o no a la creación artística.
A raíz de ello salen a colación el eterno dilema entre el papel del artista, y su compleja, contradictoria, y no exenta de ambigüedades, relación con la sociedad y las instituciones de poder; la necesidad de hacer arte, la personalidad y actitud del artista… A raíz de ello me acordé de unas frases de, Cesare Pavese, extraídas de “El oficio de vivir”: Esencialmente, ¿ Por qué deseamos ser grandes, ser genios creadores? ¿Por la posteridad? No. ¿Para andar entre gente que te señale con el dedo? No. Para soportar el trabajo cotidiano con la certeza de que cuanto se hace vale la pena, es algo único. Para el hoy, no para la eternidad. También, si la ética y la coherencia en el trabajo van necesariamente unidas de la mano…

Respecto a esto último, y a título personal, quiero creer que Adorno tenía razón al considerar la inteligencia como una categoría moral, como el equilibro entre la emoción y la inteligencia, pues el arte no creo que sea tan solo una cuestión de emoción sino también de inteligencia, y entiendo aquí la inteligencia al modo de Joseph Beuys: “La intuición es la forma superior de la razón”. El propio Fernando nos refiere que su trabajo es muy intuitivo.

Desde su línea de trabajo más relacionada con el ámbito de las intervenciones, el arte de acción y la performance se muestra bastante crítico con respecto al papel pasivo e irreflexivo del público en dichos contextos artísticos, ya que a su juicio, no solo el artista ha de mantener una postura coherente con respecto a lo que se propone hacer sino que también hace hincapié en el cuestionamiento de la recepción de la obra por parte del espectador, su reflexión y su responsabilidad; de ahí que ésta se vea sometida a posibles “perversiones” en la recepción del mensaje, como él mismo dice.

Ya para finalizar, podría concluirse que el estudio de Fernando como el de la mayoría, sino todos, creo yo (artistas o no) reside en el interior de su mente, en trabajar desde la imaginación y el pensamiento. A continuación, dejo unas bonitas frases de Gaston Bachelard de su libro La poética del espacio que creo ilustran en cierto modo lo anterior: En el análisis de las imágenes de inmensidad realizaríamos en nosotros el ser puro de la imaginación pura. Aparecería entonces claramente que las obras de arte son los subproductos de este existencialismo del ser imaginante.

http://www.bellasartes.ucm.es/invasores

Beatriz Álvarez García

Por dos euros le compré un walkman a un hombre que vendía objetos “usados” en Puente de Vallekas, donde vivo. Tenía un taller sobre electromecánica aplicada y no había conseguido ningún motor todavía. Al abrirlo un montón de rueditas dentadas se empujaban unas a otras generando movimientos circulares. Te hipnotizaba. Otros compañer@s habían llevado todo tipo de cacharros como  batidoras, móviles, una impresora, un teclado, un tocadiscos. Alfredo Morte nos iba explicando sus tipos de corriente, los componentes de los circuitos y sus posibilidades, la forma de manipularlos, las precauciones que debíamos tener, y así, entre amperios y voltajes convertimos una gran mesa, en la sala de exposiciones de la facultad, en un deshuesadero de aparatos que alguna vez fueron útiles y apreciados, para cambiar radicalmente sus vidas.


Así, jornada tras jornada, mecanismos fruto de la imaginación de estudiantes de bellas artes saludaron al mundo con sus movimientos repetitivos y onanistas. Seres electromecánicos con funciones tan increíbles como ridículas. Después de intentar describirlos varias veces, infructuosamente, prefiero invitarlos a que vean el video. Yo por mi parte convertí el movimiento del motor del walkman en una atracción de sillas volantes de un parque de diversiones miniatura. Suena mejor de lo que quedó. Pero bueno, lo más importante fue desbaratar todos esos cacharros y ver ese mundo de movimiento y energía e… imaginar.

Alexander Ríos

http://alexanderrios.wordpress.com/