Recitales. El poema: instrucciones de uso

En esta cuarta edición del Taller “El poema: instrucciones de uso” hemos contado con dos invitados con varios libros de poesía publicados para que complementaran las sesiones.Miguel Ángel Bernat (Madrid, 1954) es un poeta de versos silenciosos y desnudos. Probablemente no se puede expresar de otro modo la dimensión espiritual de la existencia. Este tema y el amor por la pintura y la naturaleza son recurrente en sus libros. Pilar González España (Madrid, 1960) utiliza las palabras de forma casi material, sirviéndose de ellas para expresar una intimidad trémula y emotiva. El aspecto oral de su poesía tiene un peso poco común entre sus contemporáneos.

 

 

 

 

 

 

 

http://bellasartes.ucm.es/extension

h2o: emergencias

Durante este otoño, el Año Internacional de la Cooperación en la Esfera del Agua 2013 y la XIII Semana de la Ciencia de Madrid han constituido el marco para la presentación de un conjunto de proyectos artísticos y reflexiones en torno al agua en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

Este programa comenzó con el taller “Diálogos Arte-Ciencia: Taller para la creación de proyectos en torno al agua” (La Trasera, 15 y 18 de octubre), dirigido por la especialista en agua y arte contemporáneo Esther Moñivas.

Workshop Diálogos Arte-Ciencia: Taller para la creación de proyectos en torno al agua.

Ver más fotos

Este taller pretendió fomentar la reflexión sobre las sinergias y colaboraciones posibles entre estos dos campos del conocimiento en la cultura contemporánea. Tomando como punto de partida el agua en tanto elemento físico y simbólico activador de la imaginación, los participantes se introdujeron en la semántica contemporánea de esta materia y en la gama de iniciativas desarrolladas en las últimas décadas desde el ámbito de la creación artística. Así mismo, los participantes aportaron sus reflexiones en un debate sobre las condiciones actuales del agua en la Facultad de Bellas Artes en sus diversos niveles político, económico, medioambiental, sociológico, psicológico y estético. La Facultad fue entendida con este fin como un sistema complejo y una unidad ecológica de la que se pudieran extraer conclusiones más amplias. Una de las conclusiones más notables de este debate fue la toma de conciencia sobre la escasa información con la que se cuenta en relación a la gestión, la política y la calidad del agua que consumimos. En última instancia, este workshop sirvió para estimular la aportación de narrativas originales, soluciones y sueños en torno a la situación precaria de este bien común.

Poema hídrico colectivo.

El 8 de noviembre se celebró una jornada especial en torno al agua en la que se presentaron los proyectos seleccionados en una mesa redonda dirigida por la comisaria Esther Moñivas, y la artista Eva Lootz. La facultad acogió así mismo tres performances realizadas por las artistas Beatriz Álvarez + Clara Durán; Marta Pinilla; y Naiana Cabral.

La exposición “h2o: emergencias” se inauguró el 12 de noviembre en La Trasera, y pudo verse hasta el 15 de ese mismo mes. En ella se incluyeron piezas de fotografía, videoarte, instalación, pintura, textos y documentación en torno al workshop y a las performances.

Estas obras estarán expuestas indefinidamente en la plataforma digital waterbodies.org, dirigida por la profesora Victoria Vesna desde el Art | Sci Center + Lab de la UCLA (Universidad de California, Los Ángeles).

Visitar la exposición virtual: http://artscicenter.com/waterbodies-ex/monivas

Esther Moñivas Mayor – Historiadora del Arte, Conservadora-Restauradora de Bienes Culturales y comisaria freelance. Doctora por la UCM con la tesis Presencias hídricas en el arte contemporáneo. Una perspectiva desde la semántica material. Es profesora adjunta de arte contemporáneo en la Universidad Antonio de Nebrija, y actualmente desarrolla su actividad investigadora en el GNAPV de la U. Nebrija; en el Instituto de Filosofía del CSIC (St-Flow), y en la Universität für Angewandte Kunst Wien (Liquid Things). Su línea de investigación aborda las relaciones entre arte, ciencia y tecnología en torno a la estética de los medios y materiales contemporáneos, especialmente en los materiales fluidos.

Leer artículo publicado por el CSIC con motivo del Año Internacional de la Cooperación en la Esfera del Agua 2013: Agua y arte contemporáneo. Mirar (y crear) a través de esferas de agua.

+ Info sobre Esther Moñivas: LinkedIn ES

 

Cartel de la exposición

The 2013 International Year of Water Cooperation and the XIII Madrid Science Week were the setting for a series of artistic projects and discussions on water issues, in the Fine Arts School of the Complutense University of Madrid.

This program began with a workshop entitled “Art and Science dialogues: Water projects workshop”, directed by the specialist in water and contemporary art, Dr. Esther Moñivas. Held at La Trasera the 15th and 18th of October, it sought to promote new synergies between these two fields of knowledge. As a starting point, it took water as a driver of the imagination, briefly analyzing contemporary water semantics, and discussing a series of artworks made in the last few decades. Secondly, it fostered a debate on the current status of water within the School, addressing it on the political, economical, environmental , sociological, psychological and aesthetic levels. The School was understood for this aim as a complex system and an ecological unit that could draw wider conclusions. In this debate one thing was notable:  the lack of information about water management, quality and politics. Ultimately, this workshop stimulated original narratives, solutions and dreams about this public resource.

Workshop Diálogos Arte-Ciencia: Taller para la creación de proyectos en torno al agua

See more pics

The 8th of November, a selection of the artistic projects born in this context were introduced and discussed in a round table directed by the curator Esther Moñivas and the artist Eva Lootz (Fine Arts Spanish National Award, 1994). That day the School also hosted three performances by Beatriz Álvarez + Clara Durán; Marta Pinilla, and Naiana Cabral.

     

The 12th of November was inaugurated the exhibition entitled “h2o: emergencias”, held at the showroom La Trasera (Fine Arts School, UCM) until the 15th. It included photography, videoart, installation, painting, textual works and documentation about the workshop and about the performances.

These artworks can be seen indefinitely on waterbodies.org  –the digital platform directed by Victoria Vesna from the Art | Sci Center + Lab in UCLA.

Eva Lootz, Agua es el nombre futuro de la sed, 2011. (Serie de 3 carteles para las jornadas de “Arte Contemporáneo por la Paz”, Vélez Blanco, julio de 2011). Cortesía de la artista.

Esther Moñivas Mayor – Art historian, conservator-restorer and freelance curator. Her doctoral thesis, Presencias hídricas en el arte contemporáneo. Una perspectiva desde la semántica material, was defended in the Computense University of Madrid. She is adjunct professor of contemporary art at Nebrija University and conducts research at the Spanish National Research Council’s Institute of Philosophy (CCHS-CSIC) and at the GNAPV group in Nebrija University. In 2014 she is guest researcher at the University of Applied Arts Vienna, and collaborates with the Liquid Things project. Her research explores the concept of matter in contemporary art; material semantics; the aesthetics of fluid materials (particularly water); and the current processes of convergence between art and science.

Read the article published by CSIC in relation to the 2013 International Year of Water Cooperation: Agua y arte contemporáneo. Mirar (y crear) a través de esferas de agua.

+ Info about Esther Moñivas: LinkedIn EN

    

[Exposición / Exhibition]

Visitar el canal de videos h2o:emergencias en Vimeo / Visit h2o:emergencias Vimeo channel: http://vimeo.com/channels/canalh2oemergencias

 

Alba Escayo y Ana Zdravkovic, Blue iceberg, 2013

Blue Iceberg webpage: http://blueicebergproject.wordpress.com/

+ info Ana Zdravkovic

+ info Alba Escayo

Antonio Labella, Sinclair Castro y Raquel Vicente, Si no hay niños, no hay río, 2013

Clara Durán y Beatriz Álvarez, Emotional dialysis, 2013

Daniel Sánchez, Watermarks, 2013

+ info: http://watermarkproject.blogspot.com.es/

Isabel Álvarez, Estelas, 2013

María Hidalgo, Ana Notario y Esperanza Arquero, Confluencias, 2013

Marta Pinilla, Portable stream, 2013

Ver documentación Portable Stream: http://issuu.com/martapinilla/docs/portable_stream_3

+ info Marta Pinilla

Naiana Cabral, Fuente y Agua viva, 2013

+ info Naiana Cabral

Néstor Domínguez, Fuentes, 2013

 

Participar en Fuentes: http://despuesdehacerpis.blogspot.com.es/

+ info Néstor Domínguez

Pía Alejandra Gálvez, El agua que llega, El agua usada, El agua que podemos llegar a tener, 2013

+ info Pía Gálvez | Envionmental Architecture

Raquel Checa, Héctor Hernández y César García, 540 L / 54’’, 2013

+ info Héctor Hernández

Romana di Vuolo,

Nº5 y Nº 6, Serie Marea y Corrientes, 2012

Oil is thicker than blood, 2013

Ver Oil is thicker than blood: http://vimeo.com/user7159039/oil-is-thicker-than-blood

+ info Romana di Vuolo

Todas las obras incluidas en este post están bajo una licencia de Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional.

————————————————————————————————————————–

Taller con Mariano Mayer, Lenguajes Trasladados. La gramática que el Libro de Artista inventa

 

En La nueva novela, su autor, Juan Luis Martínez se dedica en uno de sus capítulos a dar “respuestas” a problemas de Jean Tardieu. Ante la pregunta de Tardieu: Dado un muro, ¿Qué pasa detrás? Juan Luis Martínez responde: Hay hombres construyendo otro muro. Frente a ese nuevo muro vuélvase a la proposición: “Dado un muro, ¿qué pasa detrás?”-Hay otros hombres construyendo otro muro frente al cual está usted preguntando: DADO UN MURO, ¿QUÉ PASA DETRÁS?…DADO UN MURO, ¿QUÉ PASA DETRÁS?

Por mi parte, en vez de hacerme eco de la pregunta de Jean Tardieu, he optado por desviar la trayectoria de esta pregunta (que rebota, incesantemente, de una pared a otra) hacia una ventana, reformulando, por tanto, un poco, la esencia del eco de la cuestión: Dada una ventana, ¿Qué hay detrás? ¿Qué hay delante? ¿Otra ventana? Dada una ventana, ¿Qué hay detrás? ¿Qué hay delante? ¿Otra ventana? Dada una ventana…

 

FRESH WIDOW

Del libro como ventana a la ventana como libro.

FRESH WINDOW

Del libro como exploración al explorador como libro.

FRENCH WINDOW

Del libro como información a la información como libro.

Del libro como ventana, exploración e información.

 

 De la ventana como libro, exploradora e informativa.

 

Desde una ventana de matrioska; desde una matrioska de ventanas: este conato de texto conceptual está dedicado a MARIANO MAYER por descubrirme/abrirme nuevos libro-ventanas, ventana-libros, ventanas- libro, libros-ventana… al mundo:

 

7

NOTAS A PIE DE IMAGEN que me han ayudado a  C   A   M   I   N   A   R     por el texto:

LEYENDA:

1   Collage digital  de imaginación lúdica.

2   Fresh Widow, Marcel Duchamp.

3   Fresh Window (juego de palabras a partir de la obra de Duchamp)

4  French Windows (continuación del juego de palabras).

5   Sin título, Chema Madoz.

6   Sin título, Chema Madoz.

7 Conato de caligrama de agradecimiento a Mariano Mayer.

Beatriz Álvarez 

                           

DE UN EJÉRCITO DE GRAPAS…

Marlon de Azambuja parece que en vez de tener pestañas en los ojos, tuviese grapas. Hay personas así.

Leonardo da Vinci tiene una frase que ilustra muy bien lo que pretendo decir: “Cuando veas alguna pared manchada en muchas partes, o algunas piedras jaspeadas, podrás, mirándolas con cuidado y atención, advertir la invención y semejanza de algunos paisajes, batallas, actitudes prontas de figuras, fisonomías extrañas, ropas particulares y otras infinitas cosas; porque de semejantes confusiones es de donde el ingenio saca sus mayores invenciones”.

¿Quién no ha jugado alguna vez a ver caras en los objetos, formas en las nubes, o en los desconchados de la pared? Ya en el paleolítico este juego estaba presente en el arte rupestre de las cuevas.

Pero, ¿A qué viene esto de que Marlon de Azambuja parezca tener grapas por pestañas?

Cierto día, nos cuenta Marlon, una pared de un cine X, captó su atención. La pared se iba cubriendo, con nuevos moteados, de restos de finas pieles de papel procedentes de carteles arrancados; hasta que un día observó que habían colocado un cartel en la pared sujeto con un montón de grapas, lo cual dificultaba e, incluso, impedía arrancarlo: una cuestión de resistencia.

Esta anécdota, en apariencia trivial, le impulsó a ver un gran potencial artístico en un objeto tan banal y funcional como es una grapa. Ello le condujo a reflexionar sobre modos de resistencia alternativos en contraposición a la pretensión de permanencia de la arquitectura. Parte de su obra hasta la fecha versa sobre el trabajo con las fachadas de emblemáticos edificios y museos.

Por otra parte, con gran sentido del humor y una fina ironía, nos relata sus vicisitudes al llegar a España desde Brasil y cómo, finalmente, consiguió, poco a poco, ir haciéndose un hueco en el panorama del mundo del arte español (a pesar de contar con más de un centenar de exposiciones antes de llegar a nuestro país).

Respecto al panorama artístico de España, lo que más le llamó la atención al llegar fue, según su opinión, la intención conservadora del arte, enfocada hacia la producción de objetos, en cierto modo, estandarizados, y que respondían a unas demandas concretas y pre-establecidas. Para resaltar esto, tuvo la ocurrencia de pintar de negro la pared del espacio expositivo de la galería con la intención de resaltar dicha uniformidad y transformar el espacio en una única exposición.

También nos habló de su proceso de trabajo y de sus intervenciones en el espacio público (llevadas a cabo en diversas ciudades del mundo) cuando cubre con cintas adhesivas de colores ciertos elementos de la ciudad, y de los diálogos que se establecen entre las obras y las personas. El extrañamiento y la curiosidad que provocan incitan a algunos a abrir agujeros para ver qué se oculta debajo de la superficie cubierta con cinta. Es interesante cómo el contexto influye a la hora de que percibamos las cosas. Evidentemente, el lugar condiciona la mirada, para bien o para mal. No se perciben las cosas del mismo modo en el espacio público que en una galería, un museo, o una feria de arte, por ejemplo. E incluso, trabajar en el espacio público, bajo la dirección de un festival internacional de música, como el de Benicàssim, contribuye a “domesticar” la mirada de la gente – como señala el propio Marlon- en detrimento de la pérdida de frescura de las intervenciones.

La sofisticación de su mirada, el ingenio de su pensamiento, su gran sentido del humor y fina ironía, le permiten plantear nuevas estrategias de juego artístico desde su bastión de cintas de embalar, y armado, al mismo tiempo, con su pequeño ejército de grapas.

Para resumir, al más puro estilo surrealista, sobre la visita al estudio del “Conde de Azambuja”: esta nueva invasión ha sido tan bella como el encuentro fortuito de un ejército de grapas sobre la fachada de un edificio transparente dentro del perímetro de seguridad de una fortaleza de cintas de embalar.

Beatriz Álvarez 

EL SUSURRO DE UNA NUBE DE CARBONCILLO

 

¿Puede susurrar el carboncillo? Observando los dibujos en pequeño formato, de Sofía Jack, yo diría que sí.

Con su batuta de carbón prensado, en la mano, Sofía Jack orquesta el movimiento de las danzarinas y revoltosas partículas de carbón.

El carboncillo, dada su naturaleza rebelde e inestable, requiere un proceso de aprendizaje para consiguir domesticarlo; se trata de una cuestión de oficio, según Sofía.

Poco a poco, con paciencia, tiempo y perseverancia su batuta se va desgranando en un fino polvillo que comienza a colonizar el blanco del papel. La pátina que lo va cubriendo ordena un delicado espacio de luces y sombras que parece susurrar a los ojos, pero al que hay que acercarse, para que nos llegue su rumor lejano cohibido bajo las capas del inflexible fijador.

Según Mallarmé,  y su particular visión acerca del significado del color de la escritura, éste pensaba que, además de la tinta negra se podía escribir a lápiz: medio más apropiado, según él, para lo más secreto, lo menos seguro; cómo le escribió a su amigo Paul Valéry en una de sus cartas: “para que tenga el aire de una de esas buenas conversaciones de amigos, apartados y en voz baja”.

Pero, ¿Qué hay antes del susurro? Para acercarnos a esta cuestión seguiremos el esquema propuesto por Sofía acerca de su proceso de trabajo.

(Dibujos de Sofía Jack)

ESPACIO DE TRABAJO:

Partimos de una emoción fugaz pero intensa; del famoso “punctum”, de Roland Barthes (o, como dice Foncuberta, a propósito de las imágenes que nos punzan: “es como si Cúpido y Bathes se hubieran aliado”).

PROYECTAR:

Sofía comienza a hacerse preguntas, avanza a tientas, desorientada, guiada por vagas intuiciones que no sabe a dónde la van a conducir. Somete a observación la emoción desaparecida de aquello que la tocó emocionalmente. Puede que la emoción haya desparecido pero no su interés por la misma.

MATERIAL:

Ha llegado el momento de jugar con los materiales y seguir haciéndose preguntas. Otra forma de intentar recordar, de recuperar esa emoción inicial.

TÉCNICA:

Comienza a mirar y trabajar la lógica interna del lenguaje visual. Éste se ramifica con el fin de llegar a una idea. Empiezan las luchas internas, las ambivalencias propias ante la multiplicidad de elecciones. ¿Cuál es el disfraz que realmente quiere mostrar al espectador? La técnica ha de adaptarse a la idea  y produce un cambio visual: un cambio de disfraz bajo el que, según ella, no siempre será reconocible su trabajo: dibujos, animaciones digitales,  instalaciones…

PRODUCCIÓN:

Sofía considera la producción como una negociación con la realidad: surgen las limitaciones, los riesgos… pero, al mismo tiempo, esto le permite trabajar con otras personas, adquirir conocimientos de nuevas técnicas…

PROCESO:

Surge un proceso de búsqueda, un tiempo para encontrar influencias y afinidades electivas; de documentación  y estudio, para hallar la atmósfera y el espacio adecuados, que encuentra, en el caso de sus dibujos a carboncillo, en los volúmenes de Taschen dedicados a la arquitectura, el diseño industrial y las artes decorativas.

Y como piedras salpicando el camino de obstáculos están las excusas: las excusas para dejar para mañana lo que puedes hacer hoy; aunque también, al contrario, yo he encontrado la excusa perfecta para jugar a ver nubes de carbón atrapadas en forma de escaleras, dormitorios… que me susurran desde su parcela de intimidad.

 

Beatriz Álvarez 

 

Acciones Complementarias 2014

 El Vicedecanato de Extensión Universitaria de BBAA UCM, en paralelo a las actividades de su programa específico, inicia la convocatoria de propuestas para ACCIONES COMPLEMENTARIAS  correspondiente al año 2014. Se abre la petición de ayudas para la realización de proyectos inéditos que versen sobre cualquier faceta de la creación artística actual y que destaquen por la innovación, calidad y adecuación a los recursos disponibles. Para su valoración se tendrán en cuenta las circunstancias que recoge el documento “Criterios para valoración y adjudicación de las propuestas de Acciones Complementarias.” A la vez, queda abierto el plazo para RESIDENCIAS DE COLECTIVOS EN LA TRASERA.

DOCUMENTOS:

Condiciones de la Convocatoria de Acciones Complementarias

Criterios de Valoración y Adjudicación de la Convocatoria

Condiciones de la Convocatoria de Colectivos en Residencia en La Trasera 

Formulario de Acciones Complementarias 2014

Formulario para Agrupaciones en Residencia en La Trasera 2014

Plano de la Sala de Exposiciones

RECEPCIÓN DE PROPUESTAS HASTA 11 DE NOVIEMBRE DE 2013

Para CUALQUIER DUDA O CONSULTA escribe un mail a:   vicedecanato@art.ucm.es

LA GRAMÁTICA DE POTIPOTI

Por Beatriz Álvarez García

Cuando el verbo se hace carne;
cuando la carne se hace tela;
cuando la tela se hace pattern, patrón, estampado…
Cuando el pattern se hace palabra:
POTIPOTI: pattern hecho con letras.
POTIPOTI POTIPOTI: pattern hecho con palabras.

Nando Cornejo y Silvia Salvador son el dúo que juega a mover los los hilos ( nunca mejor dicho) de Potipoti.
Potipoti Graphic Fashion nació con la ilusión de aunar moda, arte y diseño gráfico.
El término pluridisciplinar tan empleado ahora en el ámbito de la práctica artística podría definir perfectamente su trabajo, en el que no queda claro, donde se encuentran los límites entre estas tres disciplinas. En busca de una reinvención constante, estas tres fronteras tienden a difuminarse pero, eso sí, sin perder nunca de vista la urdimbre sobre la que se teje su proyecto.

En la “Gramática del ornamento” del inglés Owen Jones (libro que acabo de descubrir gracias una profesora a la que tengo gran aprecio y cuyo título y contendido me ha servido de inspiración para arrancar la presente crónica) se recogen una serie de ilustraciones de los más variados diseños ornamentales procedentes de varias culturas y civilizaciones. Bien mirado, y tal como los ha dispuesto el autor, parecen algo así como un catálogo de retales del ornamento colectivo de la humanidad.

La razón por la que traigo a colación este libro es porque, a mi modo de ver, encuentro ciertos paralelismos entre éste y la manera en que considero que abordan y entienden, Nando y Silvia, su papel como diseñadores. En su afán por investigar y experimentar dentro de la práctica del diseño sacan partido fruto de sus viajes a las cosas más insospechadas que se encuentran en su camino y que consiguen, asimismo, trasladar con éxito al ámbito de sus creaciones textiles.

A pesar de que vivimos en un mundo que tiende cada vez más a la homogeneidad es por ello por lo que quizá precisamente sintamos la necesidad de tratar que se filtre un soplo de heterogeneidad que se manifieste, en relación a lo aquí tratado y para no irme por otros derroteros, en la posibilidad de elegir cual queremos que sea nuestra gramática de la indumentaria. Por lo que considero que tras esta sucinta introducción a la gramática de Potipoti, que dejo ya que cada cual investigue sobre la misma si así lo desea, supongo que ahora ha llegado el turno de que juguemos nosotros a construir la nuestra. Potipoti puede ser un buen ejemplo para ello; un pequeño claro en el bosque sembrado de sombras con formas naíf a punto de germinar.

http://bellasartes.ucm.es/taller-de-estampacion

Crónica 5ª sesión. Voces comunes.

La ventana

Mañana otoñal.

Cristal que al muro muestra

poetas sin voz.

MNW.

 

    Acontecía una breve mañana, idónea para hablar acerca de géneros inherentes en su brevedad. Recordé que hacía más o menos un año que escribí mi primer haiku mientras José María Parreño nos acercaba a estos fugaces poemas de la mano de autores japoneses como Matsuo Basho o Kobayashi Issa, del mismo modo que latinoamericanos de la talla de José Watanabe o Juan José Tablada.

    Con reminiscencias a la época del año o la naturaleza considero que la magia de estos escritos confluye del silencio y del vacío que envuelven a la composición, tal como sucede con el arte y la propia organización espacial que abraza a la cultura oriental, en la que el género encuentra su origen. La fugacidad que contienen se refleja en las tres huidizas líneas que expresan un momento, y que nos llevan a sumergirnos en letras que atestiguan su funcionalidad de la misma manera en lo que lo haría una fotografía. Singularizados por un carácter visual que nos remite al instante vacío de metáforas, en lo que lo representado es nada más y nada menos que lo que se ve, son su sencillez y compaginada complejidad las que adquieren un protagonismo simultáneo en los versos. Es esto el ver algo parado, como si de una naturaleza muerta se tratase, sacado de lo cotidiano y asistiendo a una contemplación descriptiva de lo que pase ante nuestros ojos y queramos transformar en imperecedero.

    Leímos también algunos poemas de William Carlos Williams, quien mantiene la particular esencia del haiku en sus composiciones. Tanto el autor como su carretilla roja se convirtieron en un gran hallazgo, ya que personalmente desconocía por completo su obra. Pasamos así a un nuevo género: las greguerías de Ramón Gómez de la Serna, también breves y nacidas de la suma del humor y la metáfora. Suelen caracterizarse por presentar un fuerte diálogo surrealista, ya que la clave a la hora de componerlas está en acceder a asociaciones visuales de imágenes, invertir relaciones lógicas o asociar libremente conceptos contrapuestos. La cuestión es, más bien, cómo no iba a surgir algo que no fuera surrealista de ahí.

    Para finalizar proseguimos con la lectura de nuestros propios poemas, que en esta ocasión se inspiraban en el recital del poeta Fernando Beltrán al que asistimos. Hojas de otoño, nostalgias, tazas, llueves y ahora ya viernes. Palabras comunes que eran nuestras y se mezclaban con otras, con el reflejo de la luz que entraba por la traslúcida ventana que enmarcaba la fotografía de un muro. El atento muro, de color otoño, nos miraba gesticular poesía a través del cristal.

Mari Nieves Vergara Vázquez.

www.bellasartes.ucm.es/el-poema

Visita al taller de Eva Lootz

INVASORES -IV-

EXPOSICIÓN: ”  En una puesta de sol, hay dos fases muy distintas”.
Tras una serie de pequeños imprevistos llegamos a una casa situada en una pendiente. Eva Lootz nos recibe a la puerta de su acogedora estancia inundada por la intensa luz del día.
¿Qué la trajo a España?  Nos cuenta, como un día, cuando tenía 20 años, y anhelando seguir la dirección del sol, dejó atrás su Viena natal (aunque no era la primera vez que viajaba) para aterrizar en la España de los años 60.
Me la imagino cargada con un ligero equipaje repleto de saberes aprovechando para su evasión, al igual que El Principito, una migración de pájaros silvestres y dejando su “planeta” un poco patas arriba; con la mirada puesta “a la izquierda del padre” y en busca de “la madre que se agita”.
Se la ve una mujer con carácter, decidida, que sabe lo que quiere.  Con una curiosidad  insaciable que no parece haber ido en detrimento con los años.
Tras describirnos, someramente, el panorama vienés, según ella, poco alentador en el que se encontraba inmersa aterriza en una España con una situación política no menos desalentadora, pero a pesar de ello dice haber encontrado España muy fascinante. De la mano de algunos artistas y personas vinculadas con el ambiente artístico de la época, tales como, por ejemplo:  el pintor Carlos Alcolea, la galerista y marchante de arte Juana Mordó… Eva Lootz se introduce en los círculos  artísticos de la época.
NUDO: “Primero el astro es arquitecto”.
Influenciada por la obra del americano Robert Morris nos cuenta como en su primera etapa empezó a trabajar con la idea de cerrar el espacio del cuadro como ventana al exterior insistiendo en la materialidad del medio que, por aquella época, aún no había asumido como lenguaje propio. En otra etapa posterior se pone a trabajar con lacre, parafina, cera, alquil… algo más “perverso”, como ella misma dice. Va dejando atrás la lona y comienza a trabajar sin bastidor.
Su interés por la riqueza metalúrgica de España la lleva a trabajar con plomo; del plomo pasa al mercurio.  El mercurio la conduce a reflexionar acerca de la desmaterialización del objeto y la evanescencia del deseo humano, tal y como se señala, Sergio Larrieria en el catálogo de su exposición “Nudos”: “En ella la materia está en fuga[…]. No sólo ha trabajado con materias poco estables ( como las citadas antes) sino que también se ha interesado por la tierra y el agua, por las heridas inferidas por el hacer humano sobre la tierra y la escritura- fluvial, volcánica, geológica- sobre la misma”. […]  L A   M A D R E   Q U E    S E     A G I T A.
A la par que su interés por investigar y reflexionar acerca de la materia también se interesa por el psicoanálisis, la antropología…
Su formación filosófica también es una constante de su obra.
Ella misma dice en su libro “Lo visible es un metal inestable” que el hilo más obvio que atraviesa su trabajo es el que rodea la pérdida, la huella… la brecha entre el lenguaje y lo visible y su interés por forzar la percepción por el lado de lo táctil, de la escucha y del tiempo.  M  O  S  T  R  A  R /  N  O  M  B  R  A  R.
Me parece interesante mencionar, en sus propias palabras, el tema de el ángulo ciego de la visión:  “En la periferia del ojo se encienden los fuegos nuevos/ Por las zonas fuera de foco entra lo que no tiene nombre/ En la periferia del ojo hay cuerpos suspendidos que desaparecen si los tratas de enfocar/ En el rabillo del ojo se ve lo que está  a punto de aparecer/ En el rabillo del ojo es donde no hay centinelas/ En el rabillo del ojo es donde somos más vulnerables. Desde el rabillo del ojo se renueva el mundo”.
A colación de una intervención de Selina acerca de sus impresiones  sobre su visita a la última Documenta de Kassel, se genera un dialógo entre ella y Eva, en torno al animismo que, según Selina, imperaba en la última Documenta. Siguiendo, de nuevo, a Selina  ésta nos dice que  parecía  existir la necesidad de recuperarlo, de establecer una  vinculación ancestral con el poder de los objetos,  quizá, como una forma de sobreponerse, en cierto modo, al fracaso al que te puede llevar  el conocimiento.
A propósito de esto,  recuerdo, aunque vagamente, que en “ La Buena estrella”  de Clarice Lispector se dice algo acerca de una flor que nace de una sepultura, lo cual me hace preguntarme acerca de qué está ocurriendo para que desde el corazón de la urbe emerja  con tanta fuerza la necesidad de enraizarnos  con la naturaleza. Quizá estemos en un punto de inflexión y al igual que propone Lootz deberíamos repensar nuestra relación con la tierra, nuestra relación con las cosas.
Sin permanecer ajena al bucle digital en el que nos encontramos inmersos, pero al mismo tiempo como si de una discípula de Paracelso se tratase, Eva, se define a sí misma como una persona muy telúrica que necesita entrar en contacto con la tierra, el fuego, el agua…no debería de extrañarnos, por lo tanto, que trabaje con la materia, el sonido…
Le interesa  entrar en contacto con un tiempo ancestral. Siente fascinación por los pueblos abandonados, donde parece que el tiempo se ha detenido; lo que me trae a la memoria fragmentos del fabuloso artículo de Robert Smithson  “Un recorrido por los monumentos de Passaic, Nueva Jersey”  publicado en la revista Art Forum ( Diciembre, 1967) aunque hay que señalar que los lugares que describe Smithson son industriales, más que agrarios, que son a los que se refiere Eva Lootz. A pesar de ello, considero que sus puntos de vista están de algún modo bastante interrelacionados  entre sí. Cito algunos fragmentos del artículo:  ”Al ser Sábado había muchas máquinas paradas, y ello hacía que pareciesen criaturas prehistóricas atrapadas en el barro, o mejor dinosaurios mecánicos ya extinguidos con la piel arrancada[…]. Estoy convencido de que el futuro se encuentra perdido en algún lugar deprimente del pasado no-histórico […].Cada grano de arena era una metáfora muerta, una tumba abierta[…]. Este panorama cero parecía contener ruinas invertidas[…] son lo opuesto de las ruinas románticas, puesto que los edificios no caen en ruinas cuando se han construido, sino que más bien se erigen en ruinas antes de ser construidos”.[…].
DESENLACE: “Sólo después, cuando sus rayos ya no llegan directos, sino reflejados, se transforma en pintor”. (  CLAUDE LEVI- STRAUSS, Tristes Trópicos).
En el mundo de Eva Lootz los zapatos dialogan entre ellos, el punto ciego no lo es tanto, la vida transcurre por el rabillo del ojo, y como ahí no hay centinelas, puede que una noche, con paciencia, podamos ver, como ella, sin abordar nada de frente, ni por la vía recta: ” Un azul que era rojo”.

Texto e imágenes por Beatriz Álvarez García – Estudiantes de BBAA UCM

 

www.bellasartes.ucm.es/invasores

 

 

 

ICEBERG

Iceberg (parte 1)
El lunes 12 de noviembre a las 18:30 Ignacio Chávarri y Bernardo Sopelana, los comisarios de Iceberg, hicieron una visita guiada de la exposición, parece que el proyecto ha despertado un gran interés pues fuimos bastantes los visitantes que asistimos.
Últimamente encuentro que se ha vuelto común relacionar fenómenos geológicos o geográficos con procesos artísticos, además cada vez más se piensa el comisariado como una forma de ‘cartografiar’ un territorio. Iceberg se define como un proyecto que reflexiona en torno al contexto actual de la creación artística madrileña. Un Iceberg como un témpano de hielo flotante que se ha desprendido de un glaciar, ¿cómo abarcar un lugar tan complejo como Madrid en una exposición de 17 artistas? Un Iceberg como un objeto que navega solitario en medio del océano, ¿es verdaderamente posible configurar una mirada común? Un Iceberg como un bloque hermético, compacto pero que igual terminará por deshacerse.
Nos cuentan los comisarios que un iceberg es imposible de cartografiar, el iceberg es cambiante, su forma va mutando y su ubicación va cambiando a medida de que se desplaza. Pero también un iceberg solo revela en la superficie una mínima parte de su volumen. De alguna forma esta imagen sirve a los comisarios como metáfora de lo que ha sido concebir una exposición como ésta, ellos invitan a varios artistas que consideran apropiados, conocen su proceso y su trayectoria, y cada uno de ellos desarrolla una obra especialmente para la exposición. El resultado de todos modos es imprevisible, vemos obras autónomas en si mismas, que hacen parte del universo propio de cada artista, obras que aparentemente no tienen mucho en común pero que, en conjunto, intentan conformar una mirada.
La exposición pretende definir un contexto que se sabe de antemano inabarcable, hablar de lo que sucede en Madrid en un momento específico en que están sucediendo tantas cosas resultaría una labor titánica (de hecho el Titanic se estrelló con un iceberg), un contexto tan complejo y variado como el madrileño no se puede condensar en 17 obras, esto lo sabemos todos, igualmente tratamos de ver qué puntos tienen en común estas piezas. Esta es una exposición de una generación de artistas jóvenes, que empiezan a tener cierta visibilidad. De artistas que la mayoría estudiaron en nuestra facultad y que viven en Madrid, podríamos intentar encontrar unas líneas temáticas comunes, aunque a primera vista no sea tan evidente.
Por una parte, los artistas son relativamente jóvenes pero sus discursos y técnicas no distan tanto de los usados durante la últimas décadas, casi todas las obras podrían haberse hecho en cualquier lugar del mundo, apelan a imaginarios universales, a excepción quizás de los trabajos de Cristina Llanos y Françoise Vanneraud, dos artistas que trabajan con situaciones reales del contexto de la ciudad. La obra de Llanos recrea una banca de un parque de Madrid que sus habitantes reubicaron para poderse reunir, y la obra de Vanneraud consiste en una instalación de dibujos hechos a partir de testimonios de los habitantes de Tetuán.
El imaginario de la ciencia aparece en obras como las de Carlos Fernandez-Pello, o Julio Adán, sus obras parecen experimentos científicos que tras el artificio técnico dejan entrever un lado poético y nostálgico. En el caso de Almudena Lobera o Teresa Solar las artistas reflexionan en torno al punto de vista del observador, invitan a pensar sus obras como escenografías que la mirada fija del espectador no puede abarcar.
Es de resaltar que tres de los artistas trabajan pintura de gran formato, me gusta encontrar este retorno a la pintura, ya que en el tiempo que llevo viviendo en Madrid no he visto ninguna exposición de artistas jóvenes que pinten, sin embargo en la facultad veo a muchos estudiantes pintando con entusiasmo. El trabajo de Nacho Martín Silva Nada volverá ser como antes, un retrato familiar destruido a hachazos en el suelo, o la pintura de Luis Vasallo La inauguración y la serie de cuadros de José Díaz son trabajos pictóricos que reflexionan y cuestionan la pintura misma como objeto y como forma de representación, sin dejar por ello de estar cuidadosamente trabajados y ser muy agradables visualmente.
Si bien intento sugerir lazos de unión entre algunos trabajos, cada visitante hará relaciones diferentes a partir de su interpretación y sus gustos. ¿Son estas obras reflejo de lo que está sucediendo actualmente en nuestro entorno? ¿O cada artista construye un universo propio al margen de su contexto? Pienso que Iceberg es un proyecto muy valioso para el escenario cultural madrileño, es maravilloso que los artistas hayan contado con un presupuesto y total libertad para desarrollar sus trabajos; sin embargo me pregunto cómo se configura la curaduría alrededor de estas obras tan diversas y autónomas. ¿Es válido negociar contenidos entre artista y comisario en aras de construir un discurso común? ¿Cómo se pueden entender estos trabajos en conjunto? ¿Dialogan verdaderamente entre si?
El 3 de diciembre el equipo de Iceberg y varios artistas de la muestra vendrán a La trasera. Espero que sea una buena oportunidad para volver a entrar en diálogo con este proyecto que muestra el trabajo de artistas que en su mayoría han estudiado en la facultad y que han encontrado la forma de abrirse campo en la escena artística madrileña.

Margarita García

Estudiante del Master en Investigación, Arte y Creación de la Facultad de BBAA de la UCM

margaritagarcia.net

www.bellasartes.ucm.es/iceberg

entornoaiceberg.tumblr.com/